Песнь льда и пламени — иначе и не назовешь грядущий альбом-дуэт французского перкуссиониста Мино Синелю и норвежского трубача Нильса Петера Мольвера SulaMadiana. Заглавный сингл вышел несколько дней назад — хороший!

У Синелю интереснейшая биография, кстати: он родился в пригороде Парижа Сан-Клоде, мать — француженка, отец — с Мартиники (это остров в Карибском море, прежде — колония, ныне — заморский департамент Франции). Вследствие происхождения Синелю с детства увлекался самой разнообразной экзотической в понимании традиционно воспитанного европейца музыкой: от египетских и румынских мотивов до фаду, японской национальной музыки и даже славянского фольклора. А потом еще отец свозил его на Мартинику, и парень пропал — выбрал барабаны в качестве призвания. В молодости музыкант много переезжал, какое-то время жил в Лондоне, а в 1979 году обосновался в Нью-Йорке, где на первых порах выступал сессионщиком, поденщиком, но уже к началу 1980-х доигрался до места в составе у Майлза Дэвиса. Впоследствии Синелю записывался с Биллом Фризеллом, Weather Report и другими, засветился на втором сольнике Стинга. И вот синкопа вывела его на нордического Мольвера — дико интересно, что у них получилось. Услышим 4 сентября.

Весь август сокрушалась, что не успеваю порекомендовать вам фильмы в том числе о музыке из программы фестиваля документального кино Beat Film Festival, которые посмотрела и/или собираюсь посмотреть, но тут организаторы продлили онлайн-версию фестиваля чуть ли не до конца месяца, а это значит, что до 26 августа вы можете взять любой из этих фильмов в прокат на «Кинопоиске HD» и затем найти на него время еще в течение 29 дней. И хотя мне немного обидно, что ленты о, к примеру, Throbbing Gristle или Трумене Капоте были отобраны командой Beat только для офлайн-показов и зрителей, купивших early bird абонементы и планировавших посмотреть их дома (как я), об этом не предупредили, всё же я всячески симпатизирую фестивалю и ценю элегантный выход организаторов из непростой ситуации — идея провести «гибридный» фестиваль классная, и многие фильмы, доступные для онлайн-просмотра, хороши и заслуживают внимания. Итак, советую три титула из программы Beat Film Festival 2020.

🎤 «Майкл Хатченс: Mystify!». Люблю группу INXS, хотя Ричард Ловенcтейн снял кино не про группу и не столько про музыку австралийцев, но именно что про Майкла Хатченса, которого, конечно, очень жаль. Самое ценное в Mystify! — архивные съемки самого певца и его близких, которые, насколько я поняла, впервые показаны широкому зрителю. Много видео из туров и частных путешествий, много личных разговоров, обрывков, каких-то будто впроброс кинутых фраз и жестов, которые помогают лучше понять, человеком сколь редкого обаяния и тонкого ума Хатченс был и каким он стал, почему поломался после злополучного происшествия в Копенгагене, как с того момента его жизнь неизбежно неслась к трагическому финалу в гостиничном номере в Сиднее. Рекомендую поклонникам Хатченса и INXS и интересующимся. Если мало слушали австралийцев и/или плохо ориентируетесь в их творчестве, то советую ознакомиться еще и обзором дискографии группы от Владимира Завьялова на «Афише Daily».

🦢 Swans: Where Does A Body End? Этот фильм как раз стоит смотреть в кинотеатре на хорошем звуке, но он почему-то попал в онлайн-программу Beat’а, а «Throbbing Gristle: Такой же другой, как я» — нет. Как говорят в интернетах: что ж. Марко Порсиа пять лет мотался за Майклом Джирой и его маленьким оркестриком ужаса по турам, студиям и проч., достал и перемонтировал кучу архивных съемок, опросил десятки людей, на разных этапах соприкасавшихся с группой, и выдал двухчасовую оду «лебедям». Нет, вы не подумайте, в комплиментарности высказывания Порсиа нет ничего предосудительного, но отсутствие в нем даже намека на негатив, например громкий скандал 2016 года, когда Ларкин Гримм обвинила Джиру в изнасиловании, и одновременно присутствие в кадре икон феминизма от мира современной поп-музыки в лице Карен О, Дженни Бет и Аманды Палмер с подобострастными комментариями наводит на размышления — а совпадение ли это? Уж больно комфортные и причесанные «лебеди» получились.  

📸 «Марта Купер: история о граффити». Зацепила по наводке Юрия Сапрыкина. Реально жемчужина программы Beat этого года, своего рода «В поисках Сахарного человека», только не о музыканте, а о талантливейшем фоторепортере, которая, сама того не ведая, запечатлела зарождение стрит-арта. Отдельно растрогала открывающая сцена, в которой мы сначала видим 77–78-летнюю Купер в гостиничном номере, собирающуюся «на дело», а в следующий момент — ее же, весело улепетывающую от полиции (как потом оказывается, всем показалось!) по платформе берлинской станции метро U Heinrich-Heine-Straße с фотоаппаратом наперевес и торопящуюся запечатлеть местных райтеров непосредственно «за работой». Дело в том, что в свой первый приезд в Берлин и потом еще раз — всё в 2017 году — я жила аккурат на U Heinrich-Heine-Straße, а Купер с райтерами бедокурили там как раз то ли в 2017-м, то ли в 2018-м, если я правильно считаю: фильм вышел весной 2019-го и снималось это либо годом, либо двумя ранее. То есть разминулись мы с Купер и парнями совсем чуть-чуть.

Voilà. Также собираюсь посмотреть «По волнам: искусство звука в кино» и «Книготорговцев», а еще на «Кинопоиске HD» есть White Riot, тоже ответственно рекомендую.

Визуальная культура российского блэк-метала

Булат Халилов поговорил с Яниной Рапацкой (подписывайтесь на них!)  о плохом фолк-метале, псевдофолке, шрифтах, идентичности, маргинальности и НСБМ. Много примеров, куча ссылок на исследования — почитайте, это правда интересно.

https://knife.media/russian-black/

Sven Wunder — Wabi Sabi 🇸🇪

Шведский музыкант и продюсер Свен Вундер (сразу оговорюсь, что это псевдоним) продолжает исследовать музыкальные традиции удаленных и экзотических с точки зрения конвенционально воспитанного европейца стран и регионов. В 2019 году он записал Doğu Çiçekleri, или Eastern Flowers — альбом мотивов, вдохновленных традиционной музыкой народов Левантийского моря: турков, анатолийских греков и др. В этом июне вышел Wabi Sabi — как несложно догадаться, эта запись отсылает к японским народным песням, жанру min'yō, а также к так называемому укиё-э — направлению в японском искусстве, возникшему в период Эдо. Термин укиё-э дословно переводится как «картины изменчивого мира». Изначально это слово «использовали для обозначения буддистского представления о том, что все радости мира рано или поздно исчезнут, а позднее под “изменчивым миром” стали понимать мимолетную радость от нахождения в кварталах Эдо, где можно было встретить гейш, куртизанок или сходить в театр кабуки». Знаменитая «Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая принадлежит как раз к укиё-э.

Что мне нравится в Вундере, так это то, что чуть ли не каждым своим действием он будто подчеркивает: «Я не создаю левантийский или японский эрзац-фолк, но пишу мелодии, которые, исключительно по моим представлениям, звучат как традиционная музыка этих регионов». Точнее даже, как впечатление европейца от музыки этих регионов, хочется добавить. То есть музыкант не играет музыку заданных жанров, а играет в них, используя отдельные компоненты или инструменты традиции для достижения своих целей, например максимальной эклектики. Так, на Wabi Sabi можно услышать современную флейту, имитирующую звучание японской бамбуковой флейты сякухати, или китайский гучжэн вперемешку с синтезаторами Moog и электрическим пианино Вурлитцера.

В каком-то смысле альбомы Вундера и правда похожи на полотна импрессионистов: разглядываешь вблизи и ни черта не понимаешь, мазня какая-то, а делаешь шаг назад — и можешь попасть под очарование.

💵 На чем, кроме музыки, зарабатывают артисты?

Американский рэпер Wiz Khalifa открывает сеть доставки еды «HotBox by Wiz»: начиная с 1 октября жители нескольких американских городов смогут заказать на сайте «HotBox» свинину под соусом барбекю, бургер с котлетой из индейки и салатом, домашние чипсы с пармезаном и лимоном и другую еду. Ожидается, что география сети доставки вскоре расширится.

О том, как ведут сторонний бизнес российские музыканты (и насколько успешно), читайте в материале «ИМИ.Журнала»

Эту и другие новости вы можете обсудить в нашем чате

🎫 По просьбе ПлюсМинуса собрала для вас инфо по ближайшим музыкальным фестивалям в двух столицах. Сохраняйте в заметки — может, вдохновитесь на что-то. Впрочем, по понятным причинам не призываю вас сломя голову бежать за билетами — в первую очередь думайте о здоровье и благополучии себя и близких.

Также сегодня стало известно, что состоится еще и «Рихтерфест». Горячо любимый мной фестиваль импровизационной и экспериментальной музыки пройдет 19 сентября на «Флаконе», в том числе на открытой, уличной сцене. Подробности можно почитать на канале лейбла ТОПОТ. Из сразу бросающегося в глаза — первое московское выступление трио Petrozavodsk. Непропускабельно.

В ИМИ.Журнале вышло крайне вдохновляющее интервью с Львом Ганкиным — об особенности звучания постсоветской поп-музыки, критике и «Новой критике».

Почитайте и обязательно подавайтесь на участие во втором томе серии. Нет, вы только подумайте: написать текст на интересную тебе тему, поработать с таким мощным редактором, как Лев, опубликоваться «в бумаге», собрать все классы и респекты, еще и деньги за это получить — часто ли предоставляется такая возможность? Вот и я говорю: проведите выходные с пользой, составьте и пришлите нам свой питч. *Прием заявок продлен до 14 сентября.

https://i-m-i.ru/post/new-critics-2

В нарушение всех традиций канала рекомендую три альбома на выходные, которые вышли этой ночью. Возможно, дело в том, что два из них я слушаю уже несколько месяцев (спасибо лейблам за оказанное доверие!) и больно к ним прикипела, возможно — в том, что я нахожу эти альбомы кое в чем похожими: все они — в каком-то смысле про обращение к себе, внутренний поиск и про «я» как источник сил, вдохновения, преодоления, утешения и исцеления. При этом большинство песен тут написаны задолго до пандемии, поэтому их выход в наше ковидное «сейчас» — совпадение и дополнительная фича скорее для слушателя. Использовать эти записи еще и как инструмент для выстраивания отношений и смирения с посткарантинным бытием — выбор и дело исключительно ваше.

Kelly Lee Owens — Inner Song. Живущая в Лондоне валлийка Келли Ли Оуэнс определенно кое-что знает о страдании и исцелении. В юности Оуэнс работала медсестрой в онкологической больнице в Манчестере, где смерть стала ей не то соседкой, не то подругой: «Как бы банально это ни звучало, но находиться рядом с людьми в конце пути — одна из самых вдохновляющих на то, чтобы жить, вещей», — говорила Келли позднее в интервью. Музыка помогла не только ей самой справиться с собственными страхами, неуверенностью в себе и т. п., но и многим ее подопечным, причем буквально: современная медицина рассматривает воздействие звуком определенной частоты в качестве одного из методов терапии онкологических заболеваний, особенно у детей. Оуэнс уверена, что музыка способна исцелять и духовно, и физически, поэтому, к примеру, на ее дебютном именном альбоме можно услышать индийские таблу и ситар, чей медитативный дрон задает тон пластинке. Inner Song — одновременно и развитие, продолжение KLO, и взятие новых высот. Так, если на первом полноформатнике Оуэнс хотела выразить себя, сделать его максимально «своим», даже не дала ему название, как бы подчеркивая, что вот эта музыка и есть она, и отвечала там буквально за каждый звук и штрих — от написания и исполнения материала до сведения и постпродакшена, — даром что Дэниел Эйвери, у которого Келли исполнила несколько вокальных партий на его дебюте Drone Logic, просто так пустил ее в свою студию и дал возможность два года вытачивать звучание и играться с синтезаторами, эффектами и проч., то Inner Song буквально начинается с кавера, и кавера какого: «Arpeggi» Оуэнс звучит совершенно иначе, нежели оригинал Radiohead, будто нырок, затяжное погружение в звуковой омут. Невольно напрашивается сравнение с кавером той же песни от Лианн Ла Хавас, что вышел ранее этим летом и вошел в третий студийный альбом соул-певицы: где у Ла Хавас предсказуемое переложение рок-номера в спокойный, текучий нео-соул, у Оуэнс — в хорошем смысле присвоение песни и обращение ее в нечто обскурно притягательное. Идеальная «открывашка» в том плане, что затягивает. Дальше только больше, причем количество и разнообразие звуков и их ювелирная обработка поражают. Вспоминается байка про то, как на дебютной EP Оуэнс использовала записанный на телефон звук крошащегося в суп крекера. Из столь великолепного сора — Келли реально чуть ли не всюду ходит с включенным на телефоне диктофоном и пишет всё — может родиться и танцевальный хит (иногда хитро запрятанный в треке, как, например, в «On»), и уважительный поклон и, кажется, такое прости-прощай уходящей моде на поп-техно («Melt!»), и отличная поп-электроника («Jeanette»), и песенный номер, и даже неожиданный мощный фит с Джоном Кейлом. При этом Inner Song — еще и брейкап-альбом, пластинка про расставание, переживание и принятие такого опыта и про поиск в себе сил двигаться дальше. Простите, увлеклась! So this is so we must go.

Tigran Hamasyan — The Call Within. Проживший, насколько я поняла, какой-то существенный период времени в Лос-Анджелесе и вернувшийся в Ереван армянский джазовый пианист Тигран Амасян на своем девятом студийном альбоме тоже обращается ко внутренним переживаниям и миру как к источнику вдохновения. Но это не эскапизм, а такая здоровая проработка внутреннего ресурса. Любовь Амасяна к року и прогу тут тоже вовсю просвечивает, что, впрочем, не мешает ему на протяжении всей дистанции альбома обращаться к традиции и как обычно включать в песни мелодические ходы, присущие армянской народной музыке, в частности мотивы и напевы из родного для музыканта региона Гюмри. В общем, вроде такой типичный в каком-то смысле для Амасяна альбом, но не без ярких моментов: послушайте, например, треки «The Dream Voyager» и «New Maps». Для последнего Ваган Степанян снял фактически не клип, а короткометражный фильм. The Call Within записан в формате трио — к Амасяну присоединились басист Эван Мариен и барабанщик Артур Хнатк. Работа последнего мне тут очень нравится, оцените и вы. И да, на обложке альбома — она ужасна! — есть ковер.

Sevdaliza — Shabrang. «Цвет ночи» нидерландской певицы и продюсера иранского происхождения Севды Ализаде уже многие расхвалили, и альбом наверняка попадет в обзоры лучшего за неделю в медиа (скажем, «Афиши Daily» или The Flow), так что не буду тут в подробностях расписывать, но это альбом-бездна, конечно. Слушать эмоционально нелегко, но надо. Любопытно, что буквально накануне релиза Sevdaliza выпустила клип на последний сингл с альбома, песню «Habibi», и видео ей помогала делать наша соотечественница Анастасия Коновалова. Подробнее о новом режиссерском дуэте можно почитать у Игоря Банникова.

В «Альпине Паблишер» выходит книга шведских журналистов Свена Карлcсона и Юнаса Лейонхуфвуда «Против гигантов. Как Spotify подвинул Applе и изменил музыкальную индустрию». Написала для нее небольшой отзыв-вынос на обложку и рекомендую к прочтению, потому что это и правда увлекательный рассказ и здорово сделанный текст (я, к примеру, проглотила его за пару дней), кейс-стади, в котором дотошно, но нескучно описывается, с одной стороны, становление еще одного технологического стартапа, с другой — попытка воплощения в жизнь утопии о наиболее полной и, по возможности, бесплатной музыкальной библиотеке для каждого, о доступе к любой песне в один клик и/или тап. Понятно, что достижение идеала тут невозможно и что со временем Spotify и как бизнес, и как идея мутировал в нечто абсолютно иное, однако Карлcсон и Лейонхуфвуд и не ставили перед собой задачи что-то спрогнозировать, но постарались максимально полно и точно восстановить ход событий и зафиксировать: во многом усилиями и стараниями Spotify навсегда изменились наши отношения и взаимодействия с музыкой, а заодно и вся музыкальная индустрия. Нет, вы попробуйте объяснить зумеру, каково это — всю ночь тащить из сети один альбом или чью-то дискографию, а потом отвечать перед родителями за потраченный трафик? А не качать было невозможно — нужно же было открыть для себя и послушать еще столько всего!

Да, на Vokrugsveta.ru можно почитать отрывок из «Против гигантов», чтобы составить представление о книге. В магазинах она должна появиться уже в сентябре.

🎫 Билеты на фильмы о Рюити Сакамото за коду вашего лета

В конце августа CoolConnections  выпустили в ограниченный прокат два фильма о Рюити Сакамото — отличный док «Рюити Сакамото: Кода» о самом композиторе, его жизни, творческом методе и, собственно, о написании и записи последнего на данный момент сольного студийного альбома async и фильм-концерт «Async в Park Avenue Armory», запись исполнения указанного альбома в Ветеранской комнате нью-йоркской Оружейной палаты.

И фильм «Кода», и альбом async стали для меня важнейшим переживанием 2017–2018, писала об этом тут. Поэтому с большим удовольствием разыгрываю по паре билетов на показы 12 и 13 сентября в летнем кинотеатре музея «Гараж» Garage Screen. Последнее для меня важно, потому что ввиду эпидемиологической обстановки посещение любых публичных мероприятий остается риском, и площадка на свежем воздухе кажется компромиссным и чуть более безопасным вариантом. И всё же призываю вас здраво оценивать свои возможности и риски.

Итак, до 10 сентября включительно пришлите @dramachushbot песню, которая стала кодой вашего лета. Если хотите, можете также пометить, на какой фильм хотите больше, — coda или async live. Выберу победителей 11 сентября, каждый получит по два билета на один из показов. Удачи!

ps: ребята, кидайте ссылки на ютуб, к примеру, а не буквально треки, а то они отображаются у меня в боте без вашего имени :)

Анонс дня, что уж там. Со 2 по 4 июля 2021 (и хоть бы не на ЗИЛе!), билеты тут #боль2021

Тряслась в вагоне несущегося на российский юг, к Таманскому полуострову поезда, когда узнала, что умер Гэри Пикок — редчайшей чуткости и деликатности контрабасист, игравший с и для Альберта Айлера, Пола Блея, Кита Джаретта, Билла Эванса, Джека Деджонетта. Только в составе трио с Джареттом и Деджонеттом Пикок записал более 20 альбомов.

Забавно, что когда-то он учился игре на фортепиано, хотел солировать на этом инструменте, собрать свой бэнд, но судьба распорядилась иначе: из группы, в которой играл музыкант, ушел басист и коллеги потребовали, чтобы Пикок занял вакантное место, тем более что пианист у них уже был. Иронично, что впоследствии Пикок сыграет с чуть ли не всеми великими джазовыми пианистами и всем им подарит свою исключительную энергию, несравненное чувство ритма и умение бдительно отзываться на малейшее движение в воздухе — побуждение сорваться в импровизацию и тут же соткать волшебство.

Гэри Пикок умер вчера, 5 сентября 2020, в возрасте 85 лет. Послушаем же альбом Yesterdays.

Жаркие истоки фестивальной культуры 🇯🇲

На Ямайке есть удивительное явление – саундсистема. Зародившись в 40-е годы, передвижные дискотеки долгое время были для большинства жителей единственным способом  услышать музыку. Со временем эта традиция дошла до Великобритании (например, известный Ноттинг-Хиллский карнавал) и других крупных стран, куда мигрировали ямайцы в поисках заработка. И саундсистемы произвели неизгладимое впечатление на музыкальную культуры околоевропейского мира.

У этих огромных скопищ колонок с самого начала было несколько свойств, которые мы видим на фестивалях и в клубах по сей день:

👉🏻 Селектор – тот, кого мы именуем «диск-жокей». Это человек, ответственный за выбор треков. Так как на Ямайке долго не существовало своих студий звукозаписи, селекторы ездили за пластинками в США. Изначально музыка на саундсистемах была преимущественно инструментальной: меньше слов – больше танцев!

🎤 Диджей. В ямайской традиции это человек, наговаривающий текст поверх этого самого инструментала. Это могли быть новости, добрые пожелания гостям, байки, шутки и даже просто ритмичные выкрики и визги. Ямайские диджеи стали прародителями MC в хип-хопе.

🎪 Люди собираются вместе под открытым небом специально чтобы насладиться музыкой. Эта практика сродни религиозному опыту, культовой процессии. Слушатели объединяются в своём порыве отдыхать, расслабляться и набираться энергии ритмов и мелодий – это же первые рейвы!

🎲 На саундсистеме проверяются треки, прежде чем будет принято решение об их официальном релизе. Скорая реакция «заряженного» зрителя в полевых условиях, когда неизвестен ни автор, ни название вещи, – самый честный индикатор качества материала.

⚔️ По мере развития саундсистем, и особенно с началом притока заработка от них, команды стали жёстко конкурировать друг с другом в борьбе за посетителей. А главный актив передвижной дискотеки – музыка. Селекторы часто скрывали этикетки со своих самых горячих пластинок, чтобы соседи, даже заполучив экземпляр, не смогли узнать, что это за трек (то были времена задолго до шазама!). Многие диджеи, играющие на редком виниле, делают так до сих пор!

🖤 Селекторы довольно быстро смекнули, что чем «жирнее» бас, тем сильнее качает толпу. Поэтому хозяева саундсистем постепенно адаптировали их так, чтобы низкие частоты звучали гуще и пробивнее. Уже в конце 70-х этому примеру стали следовать американские диджеи вроде Лэрри Левана.