Дабы немного расслабиться и согреться смехом этим морозным вечером (а кому-то может повезло и он живет в теплых краях), мы решили собрать некоторую часть анекдотов, да просто забавных случаев из мира музыки. Смотрите прикрепляемую статью. А для тех, кто всему предпочитает музыку – публикуем комичный дуэт Моцарта ^^ #Чтение

​​Третья симфония Малера – самая философская из всех. Здесь легко можно провести параллели со многими литературными источниками. Да и то, что автор позаимствовал у Ницше название своей условной программы – «Веселая наука», уже говорит о многом. Третья симфония – это отражение философских концепций о мире и его сущности.  

Первая часть, являющаяся ядром произведения – начинается довольно мрачно. Согласно программе – это пробуждение природы. Сегодня же мы это слышим больше как зарождение  новой морали наступающего двадцатого столетия. Заигрывание с идеями Ницше органично вплетаются в общий тон повествования. Пророческий взгляд Малера на историю XX века проявляется и здесь. Мы почувствуем этот характер в проявлении гармоний, отсылающих нас к марширующим демонстрантам, гулу сирен, машинной канонаде – характерным музыкальным образам постмалеровской эпохи (Шостакович, Шенберг, Штраус и др.). В этих тревожных, резких аккордах отсутствует что-либо живое, поэтому я понимаю этот фрагмент, как предупреждающий мотив о надвигающихся катастрофах нового времени. В последующих частях композитор будет противопоставлять духовную составляющую человека-творца техническому прогрессу, призывая мыслить, рефлексировать и любить.

Центр симфонии – это образ философа, который через познание себя, как неотъемлемой части природы, – достигает вершины, т. е. Бога. Следуя логике озаглавленных частей, мы можем сказать, что речь идет об общении индивида с флорой и фауной, с космосом, с обществом, – со всеми сторонами живой жизни, которые в итоге приводят героя к любви, а любовь – есть высшая ступень развития творческой личности. #Малер

​​К Рихарду Штраусу вы можете относиться по-разному. Скорее всего вы его не любите, а может и вовсе ничего кроме вступления к симфонической поэме «Так говорил Заратустра» не слышали. Но вот послушать и прочувствовать его главную исповедь – Метаморфозы – надо!

«Возможно, Рихард Штраус прожил 85 лет только для того, чтобы создать это великое сочинение» ©

В первую очередь, это музыкальная рефлексия на последние годы Второй мировой войны, на увиденную разруху Германии и на утрату великой немецкой культуры. Оттого мелодия траурная, являющаяся по сути панихидой по падшей Родине. «Я в отчаянном настроении! Разрушен дом Гёте, это величайшая святыня мира! Мой прекрасный Дрезден – Веймар – Мюнхен, все пошло прахом!» – писал Штраус своему другу Й. Грегору. С другой стороны, учитывая возраст композитора, произведение можно считать и личной исповедью. Штраус, считая себя частью культуры немецкого народа, завещал ей свою душу, с которой он прощается здесь также, как с утраченной в войне цивилизацией.

Обратите еще внимание на то, как темы из симфонии «Юпитер» Моцарта и вагнеровской оперы «Тристан и Изольда» звучат здесь у Штрауса. Словно отголоски в памяти. Это скорбь о забытых культурных традициях? Или же наоборот проявление света, которое так необходимо Германии в последние годы войны, дабы вырваться из дьявольского одурманивания пропаганды тех времен?

Метаморфозы – это печальное размышление о природе человека и его трансформации. О том, как носители культурного кода Баха, Гете, Бетховена, Шиллера и др., опустились до первобытного, скотского состояния. И фраза In Memoriam (В память) в партитуре произведения, сопровождающая цитату из траурного марша Третьей симфонии Бетховена, скорее всего призывает помнить о том, что Человек – венец божьего творения. Впрочем, такова мысль и самого Бетховена, который в первую очередь возносил человека. #Штраус

Наше любимое время – вечер пятницы, переходящий плавно в ночь. По такому случаю мы решили составить плейлист, назвав его слегка таинственно, не без приключенческого нрава – «Ночь пятницы». В этой подборке собрана самая энергичная и гедоническая академическая музыка ;). Заряжайтесь энергией от праздничных увертюр до высокоградусных песен; от криков ликования до опьяняющих танцев... В общем этот плейлист разожжет в вас дух веселья. Потворствуйте своим желаниям и утопайте в ночи пятницы вместе с классикой. #Подборка

​​Говорят, что во Втором фортепианном концерте Бетховена нет самого Бетховена. Это, конечно, неправда. Как только вступает в дело солирующий клавишный инструмент, перед нами сразу предстает бетховенский титан, пускай пока и не в полный рост, но он очевиден. Кстати, несмотря на номер концерта, он все-таки предшествовал первому, поэтому его можно считать одним из первых по-настоящему крупным произведением композитора. Здесь молодой Бетховен еще не озадачен темами героики и народности, поэтому музыка больше лиричная, светлая и очень напоминает жизнерадостное мировоззрение Моцарта. Просто слушайте, отдыхайте и радуйтесь тому, что красота повсюду. #Бетховен

Хотите прожить жизнь любимого композитора? Если да, то наша статья для вас. Погрузиться в проблемы интересующего вас музыканта и почувствовать дух его времени поможет кинематограф! Мы составили список художественных фильмов о великих композиторах. Выбирайте кино на вечер и погружайтесь в творческие искания великих деятелей искусства прошлых веков. #Синема

​​Дж. Россини – итальянский Моцарт. Музыка его яркая, легкая и веселая. Больше всего он нам известен как автор популярных опер – «Севильский цирюльник» и «Вильгельм Телль», но публиковать мы будем другую музыку – его юношеские сонаты для струнных. Кстати, подобно Моцарту, Россини умел сочинять прекрасную музыку в раннем возрасте, в данном случае шесть сонат написаны им в 12 лет.

Обратите внимание, что в этих камерных музыкальных зарисовках автор создает некую постановку, придавая каждому инструменту театральные черты. Звучит это так, будто две скрипки, виолончель и контрабас произносят свои сценические речи, контактируют и вступают в споры друг с другом. В общем это по-юношески игриво и  довольно комично. #Россини

«Музыка, которая вернулась» – это название интересных музыкальных передач на радио «Орфей» с музыковедом Михаилом Казиником, который своими интерпретациями рушит привычный взгляд на классическую музыку. Уверен, многие после прослушивания его лекций полюбили классику. Особенно рекомендуем послушать, если не все, то хотя бы парочку выпусков, юным падаванам. Профессионалы же к Казинику могут относиться по-разному, отсебятины в его словах тоже достаточно. Но вот за то, что он не уходит в занудство, а каждая его речь – это шоу, – ему стоит отдать должное. Публикуем большой архив радиопередач (103 выпуска). В прикрепляемой статье все это сортируем для вашего удобства. Кстати, музыка действительно вернулась. С каждым годом классика находит отклик в большем количестве сердец. Считаю, что во многом это заслуга интернета и таких площадок, как наш канал:) #Казиник

​​Шуберт писал фортепианные сонаты на сто лет вперед. Во всяком случае так говорят сегодня, а вот современники композитора их не воспринимали за серьезные произведения, потому их путь до концертных залов довольно тернист. Например, Сергей Рахманинов, композитор, живший уже в следующем столетии, когда впервые услышал исполнение одной из последних сонат Шуберта, признался, что вовсе не знал, что такое сочинение существует в репертуаре венского классика. Время же все расставило на свои места. Сегодня мы опубликуем, пожалуй, одно из сильнейших фортепианных откровений раннего романтизма – сонату № 21 си-бемоль мажор (D 960), написанную Шубертом в последние месяцы жизни.

Да, это своеобразный фортепианный реквием, опередивший время. Из-за того, что творчество Шуберта пришлось на рубеж венской классики и романтизма, т. е. то самое время, когда тень Бетховена затмевала творчество многих авторов, Шуберт спокойно попал в ту цель, которую на тот момент никто не видел. Своей новаторской стрелой, венский классик попал не только в самое сердце романтизма, но даже слегка задел живописный минимализм, присущий уже импрессионистам. Увы, оценить по достоинству открытия композитора смогли лишь спустя сто лет.

Особенностью драматургической структуры сонаты является то, что Шуберт углубляется в философские и поэтические размышления, уходит больше в осмысление психологического состояния, нежели в борьбу с мифическими роковыми силами. По настроению музыкального тона чувствуется, что данный опус – собственная эпитафия, некая точка в своей недолгой жизни. Драматические мелодические всплески, как метастазы болезни, напоминающие о конечности жизни. Поэтому композитор заслоняет всю мрачную экспозицию светлыми гармониями, символизирующими воспоминания и грезы – то, что согласно Шуберту – по-настоящему вечно. #Шуберт

​​Точная, абсолютная гармония – это музыка Моцарта. В ней всегда ощущается работа искусного мастера. Его мелодии полны идей любви к человеку. Вероятно, из-за несовершенства последнего, гармонии имеют легкие меланхоличные оттенки. Фортепианные произведения, пожалуй, самые личные в творчестве Моцарта. В них всегда сплетались все нити жизни, затрагивающие как гедоническую сторону бытия, так и духовную. В отношении человеческих чувств, я бы назвал их самыми спектральными откровениями венского классика. 27-й концерт для фортепиано с оркестром, с одной стороны, раскроет для вас Моцарта как глубочайшего лирика, наслаждающегося жизнью, любовью и грезами, с другой – как Бога («Ты, Моцарт, Бог, и сам того не знаешь» – А. С. Пушкин), познавшего суть нашего бытия. Завершаем цитатой Михаила Воскресенского: «Настроение и дух 27-го концерта – как будто вы в раю...» #Моцарт

Запоздавшую весну встречаем новым плейлистом – «Весенний зов». Мы специально не стали включать в него самые известные «весенние» произведения из «Времен года» композиторов вроде Вивальди, Гайдна, Глазунова и др. Здесь собраны такие мелодии, которые, на наш взгляд, наиболее полно имитируют т. н. звук весны, заключающийся в пении птиц, в криках животных и в шелесте теплого ветра. Вдохновляйтесь музыкальными изображениями весны – от появления первых бутонов до полного пробуждения природы. #Подборка

​​Музыку Альфреда Шнитке мало слушать, ее надо проживать. Характер большинства его произведений (не считая работ к кинофильмам) – исповедальный. Концептуально она включает в себя размышления о проблемах философии XX века, о человеческом образе, являющимся ее носителем, и об эпохе в целом. Идеологически же Шнитке остается верным звуку, пытаясь из додекафонического шума вывести формулу идеальной мелодии, соответствующей духу времени.

Первая соната для скрипки и фортепиано одна из первых попыток на этом поприще. В жанре сонаты, пожалуй, было проще всего реализовать свои замыслы, во-первых, из-за роста популярности этого жанра в советское время, во-вторых, из-за потенциальных возможностей к воплощению ведущих музыкальных тенденций того времени. Да и сама эпоха требовала от музыки превращения в некий знак, символ. Впрочем, это произошло, – музыка стала звуком. Если тематическая и философская составляющая выросла, то гармония утратила всяческое значение, поэтому звук, в контексте нашей современности, означает скорее шаг назад, ведущий музыкальное искусство к первоначальной точке – тишине.

Обратите внимание, что мелодия сонаты отстранена от всего личного и носит больше обобщенный характер, тяготеющий к темам апокалипсиса, памяти и молчания. Например, лирический характер первой части, вроде бы являющей собой голос автора, прерывается сухими фортепианными аккордами второй, вводя в композицию конфликт двух миров – двух солистов. С другой стороны, отстраненный аккомпанемент клавишного инструмента, по выражению Ивашкина, повествует о конце жизни. Но не жизни автора, а скорее целой эпохи или народа, поэтому конфликт произведения заключается в противостоянии человека и того, что им управляет – идеологии, стирающей все личное. Это подчеркивается в финале фрагмента, где партии фортепиано отдана доминирующая роль.

Ядро произведения – третья часть. Ее характер – прощальный. Здесь же проявляется и т. н. мистика Шнитке, – это звучащая в репризе транскрипция русской народной песни «Барыня», напоминающая по звучанию детскую колыбель. Такое настроение придает произведению  довольно жуткий окрас, особенно учитывая чертовскую вакханалию последней четвертой части. Достигается это за счет использования темы «Кукарачи» в финале сонаты. Сам Шнитке говорил, что таким приемом он хотел подчеркнуть низменные сферы жизни.

Завершается произведение плавно. Звуки затихают, словно отсылая нас к тишине, как к итогу мира. #Шнитке